El silencio de los corderos

Título original: The silence of the lambs

Año: 1991

País: Estados Unidos

Director: Jonathan Demme

Reparto: Anthony Hopkins, Jodie Foster, Scott Glenn

Género: Thriller, Intriga, Thriller psicológico

Duración: 118min

Sinopsis: El FBI busca a "Buffalo Bill", un asesino en serie que mata a sus víctimas, todas adolescentes, después de prepararlas minuciosamente y arrancarles la piel. Para poder atraparlo recurren a Clarice Starling, una brillante licenciada universitaria, experta en conductas psicópatas, que aspira a formar parte del FBI. Siguiendo las instrucciones de su jefe, Jack Crawford, Clarice visita la cárcel de alta seguridad donde el gobierno mantiene encerrado a Hannibal Lecter, antiguo psicoanalista y asesino, dotado de una inteligencia superior a la normal. Su misión será intentar sacarle información sobre los patrones de conducta de "Buffalo Bill".

Crítica: Octavo trabajo de Jonathan Demme como director de la gran pantalla, su obra más notable junto con "Philadelphia" y uno de los nombres mayúsculos en la historia del "thriller". Nominada a 7 Oscar, acaba ganando 5 (película, director, actor (Hopkins), actriz (Foster), guión adaptado) siendo así la tercera película de la história en llevarse los 5 premios principales (las otras dos son "Sucedió una noche" (1934) y "Alguien voló sobre el nido del cuco"(1975).

Con una historia espeluznante escrita en la novela de Thomas Harris, Ted Tally (guionista) y Demme se ponen a trabajar en un guión que se sobrepondría a sus mayores pronósticos. Nos encontramos ante un filme peculiar, cargado de intriga, misterioso como su protagonista y voraz y implacable como Clarice Starling. Aquí nos encontramos algo más que un thriller de asesinos en série, nos encontramos ante algo esperpéntico, trabajado con gran vocación para que podamos enfundarnos en la piel de un asesino cuya inteligencia sobrepasa los límites humanos junto con su locura más próxima de un manicomio que de una penitenciaria. Los personajes son perfectos, una con los miedos de una novata principiante y el otro con la inteligencia de un veterano asesino caníbal, los dos se necesitan mútuamente, los dos se utilizan, los dos se salen con la suya gracias a la cooperación entablando sin quererlo una extraña amistad. Increíble película en que el Dr.Hannibal Lecter te pondrá los pelos como escarpias y Clarice Starling te sorprenderá como pocas lo han hecho antes, muy recomendable.

Puntuación:*****(sobre 5)

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Barton Fink

Título original: Barton Fink

Año: 1991

País: Estados Unidos

Director: Joel Coen y Ethan Coen

Reparto: John Turturro, John Goodman, Judy Davis

Género: Drama, Cine dentro del cine

Duración: 112min

Sinopsis: En 1941, Barton Fink viaja a Hollywood para escribir un guión sobre el luchador Wallace Berry. Sin embargo, una vez instalado en el Hotel Earle, el guionista sufre un severo bloqueo mental. Su vecino de habitación, un jovial vendedor de seguros, trata de ayudarlo, pero una serie de circunstancias adversas hacen que se sienta cada vez más incapaz de afrontar su trabajo.

Crítica: Cuarta película de los Coen, film de cine independiente que reunió 3 nominaciones a los Óscar (actor de reparto, dirección artística y vestuario) y ganó 3 premios en el festival de Cannes (palma de oro, director y actor).

Los Coen desarrollan un film denso, cargado de simbolismo y para la reflexión. Ésta, una de sus obras más reconocidas, pretende parodiar el mundo de Hollywood en la época de mayor esplendor, en el trato que tienen los los productores hacia los realizadores, las pocas ideas de éstos o la masificación de guionistas que puebla una ciudad demasiado llena. El guión nos muestra como Turturro da vida a un guionista al que parece la suerte le empieza a sonreír, hasta que debe enfrentarse a la hoja en blanco, sus miedos de fracaso empiezan a invadirle y la sensación de desamparo y soledad en un mundo (el cine) gobernado por tiburones hace que esos miedos le corroan, que no pueda escribir, que su mente se paralice, que tome el alcohol como desatascador y que éste no funcione.

Es una película que va de menos a más, la curiosidad se va apoderando del espectador así como las emociones y sentimientos hacia el protagonista ya que muchos tenemos esos miedos a no dar la talla, miedo a fracasar.

La música ofrece composiciones sutiles y pausadas, con abundantes solos, que evocan sentimientos del protagonista. La fotografía se apoya en encuadres muy cuidados, movimientos de cámara sorprendentes, planos picados y "travellings" cenitales, preferencia por la geometría y por los marrones, grises y dorados. El guión contiene diálogos de dobles y triples intenciones, con toques de humor negro y macabro. La interpretación de Turturro, premiada en Cannes, es excelente y es brillante la de Goodman.

Muy recomendable si queréis ver algo que os ayude antes de un nuevo trabajo o una entrevista o simplemente si queréis pasar un buen rato.

Puntuación:**** (sobre 5)

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No es país para viejos

Título original: No country for old men

Año: 2007

País: Estados Unidos

Director: Joel Coen y Ethan Coen

Reparto: Tommy Lee Jones, Javier Bardem, Josh Brolin

Género: Thriller, Drama

Duración: 122min

Sinopsis: En 1980, en la frontera de Texas, cerca de río Grande, Llewelyn Moss (Josh Brolin), un cazador de antílopes, descubre a unos hombres acribillados a balazos, un cargamento de heroína y dos millones de dólares en efectivo...

Crítica: Décimo segunda película de los hermanos Coen de las 15 realizadas hasta el momento con un guión adaptado de la novela de Cormac McCarthy es nominada a 8 estatuillas llevándose 4 (mejor director, mejor película, mejor guión adaptado y mejor actor secundário (Bardem).

En mi opinión, ésta es una película diferente, del género llamado Coen. És un thriller con una calma tensa dificilísima de conseguir en una película, una persecución donde el perseguidor y el perseguido bucean entre el temor, la locura, el orgullo y la ambición y de lejos un Sheriff, viejo y cansado de su oficio va dando palos de ciego a diestro y siniestro llegando tarde una vez sí y otra también. Algo muy parecido a "Fargo" pero esta vez sin que la nieve sea la tónica, dejando un paisaje caluroso, llano y desierto en Texas. Dos personajes que le vienen como anillo al dedo para Brolin y Bardem y que harán a éste último convertirse en uno de los asesinos en série más recordados del celuloide.

Puntuación:****(sobre 5)

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Skyfall, vuelve 007

Título original: Skyfall

Fecha de lanzamiento EEUU: octubre 2012

Fecha de lanzamiento España: noviembre 2012

Director: Sam Mendes

Reparto: Daniel Craig, Javier Bardem, Naomie Harris, Ralph Fiennes

Sinopsis:Nueva aventura del agente secreto británico 007, James Bond. La lealtad de Bond hacia Mes puesta a prueba cuando el pasado de ella vuelve para atormentarla. Mientras el MI6 es atacado, 007 debe rastrear y destruir la amenaza, sin importar el coste personal. SKYFALL cuenta una historia individual que no se basa en ninguna de las novelas de Ian Fleming y que no tiene relación con la trama de Quantum de las dos anteriores entregas. Daniel Craig y Judi Dench repiten sus papeles. Javier Bardem interpreta al villano, del que aún no se sabe nada. Naomie Harris interpreta a una agente de campo llamada Eve, mientras que Bérénice Marlohe interpreta a un glamouroso y enigmático personaje llamado Severin.

Comentario: Entrega 23 de la saga de James Bond que promete más acción que la pasada Quantum of Solace con una dirección de lujo y un reparto que asusta. Bardem ya demostró sobradamente lo bien que se le dá hacer de malo (No country for old men) y Ralph Fiennes es un actor increíble que pocas veces decepciona, por no olvidar a Daniel Craig, el James Bond diferente. Debo admitir que soy fan de la saga y que hay muchas ganas de poder degustarla, hasta dentro de un año.

American Beauty

Título original: American Beauty

Año: 1999

País: Estados Unidos

Director: Sam Mendes

Reparto: Kevin Spacey, Annette Bening, Thora Birch

Género: Drama, Comedia dramática

Duración: 122min

Sinopsis:Lester Burnham (Kevin Spacey), un cuarentón en crisis, cansado de su trabajo y de su mujer Carolyn (Annette Bening), despierta de su letargo cuando conoce a la atractiva amiga (Mena Suvari) de su hija (Thora Birch), a la que intentará impresionar a toda costa.

Crítica: Ópera prima del director británico, recientemente escogido para llevar la ultima película de la saga 007, con guión de Alen Ball (True blood, Six feet under) y musica de Thomas Newman, nominada a 8 Óscars, gana 5 (película, director, actor (Kevin Spacey), guión y fotografía).

Ésta, es una increíble narración de la vida de un hombre cansado de la rutina, de una vida monótona encerrado en una casa con una família que quiere aparentar que funciona, con una mujer a la que no ama y de quien se ha cansado, con una hija que no le soporta y que le ve como un baboso viejo verde que solo quiere echarle un polvo a sus amigas y con quien sólo encuentra algo de paz con el vecino de enfrente, hijo de una família que aún está peor que la suya. Muestra una sociedad decadente, faltada de valores con un humor que roza la perfección de la sutileza. El espléndido guión muestra una introspección a una vida llena de dudas, a un personaje que te crees con, otra vez, un increíble Spacey y con un reparto secundario brillante con Annette Bening (Mars Attack, Regarding Henry) bordándolo. La dirección es fresca y dinámica, no aburre y con un final que a más de uno le quitará el hipo. Muy buen trabajo de Mendes, muy buena película

Puntuación:*****(sobre 5)

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Sospechosos habituales

Título original: The Usual Suspects

Año: 1995

País: Estados Unidos

Director: Bryan Singer

Reparto: Kevin Spacey, Chazz Palminteri, Benicio del Toro, Gabriel Byrne, Stephen Baldwin

Género: Thriller, Intriga

Duración: 105min

Sinopsis: Dave Kujan (Chazz Palminteri), un agente especial del servicio de aduanas de EEUU, está investigando las causas del incendio de un barco, en el puerto de San Pedro de Los Ángeles, que provocó 27 víctimas mortales, aunque todas parecen haber sido asesinadas. Su única fuente de información es Roger Kint (Kevin Spacey), un estafador lisiado que sobrevivió al incendio. En comisaría, Kint cuenta que todo comenzó seis semanas antes en Nueva York, cuando cinco delincuentes, cinco "sospechosos habituales", fueron detenidos para una rueda de reconocimiento relacionada con el robo de un camión de armas...

Crítica: Segunda película de las nueve del director neoyorkino con guión de Christopher McQuarrie y con 2 estatuillas a mejor guión original y mejor actor secundario (Spacey). Es un largometraje sólido, estructurado de manera eficiente e innovadora y con una historia sorpresiva que pisa a cada paso su propio esquema. Una obra maestra del género policíaco y de intriga en la década de los 90' donde las películas de gángsters y asesinos a sueldo campaban a sus anchas con Tarantino como estandarte principal.

Singer logra tejer una tela que te atrapa y te convence de la que te resulta muy difícil escapar con 5 historias paralelas que encuentran su significado en la conjunción de las mismas, perfectamente entrelazadas y tramadas a precisión de bisturí. Un trabajo potente que no dejará indiferente a nadie y por el cual pido que os reserveis una hora y media de vuestro tiempo.

"El mejor truco que inventó el diablo, fue convencer al mundo de que no existía"

Puntuación: *****(sobre 5)

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Leaving Las Vegas

Título original: Leaving Las Vegas

Año: 1995

País: Estados Unidos

Director: Mike Figgis

Reparto: Nicolas Cage, Elisabeth Shue

Género: Drama

Duración: 112min

Sinopsis: Ben Sanderson (Nicolas Cage) es un guionista alcohólico de Hollywood que acaba de perder su trabajo por sus problemas con la bebida y su bajo rendimiento. Sin amigos y sin familia, Ben quema sus recuerdos y viaja hasta Las Vegas con el propósito de beber hasta morir. Nada más llegar a la ciudad, conoce a Sera (Elisabeth Shue), una atractiva prostituta de la que se queda prendado.

Crítica: Séptimo largometraje del realizador británico Mike Figgis (“Miss Julie”, 1999), rodado en EEUU, es su obra más acreditada. El guión, del propio Figgis, adapta la novela “Leaving Las Vegas” (1990), de John O’Brien, única del autor y de carácter autobiográfico. Nominado a 4 Oscar, gana uno (actor, Nicolas Cage). La película relata la historia de dos extraños atraídos por el mismo sentimiento de desprecio a la vida y a todo lo que les rodea, habla sin tapujos de una sociedad demasiado preocupada por los estereotipos y la imagen. La prostitución, las drogas, el alcohol y el juego se juntan para demostrarnos que a veces también puede ser importante vivir para saber lo que es disfrutar de la vida, arriesgarse para poder encontrar el amor sin barreras, sin fronteras y una vez lo tienes, disfrutarlo al límite. Una preciosa balada la que nos brindan Cage y Shue para pasar 112 minutos en buena compañía.

Puntuación:*** (Sobre 5)

Tráiler:

Cotton Club

Título original: The Cotton Club

Año: 1979

País: Estados Unidos

Director: Francis Ford Coppola

Reparto: Nicolas Cage, Richard Gere, Diane Lane

Género: Musical

Duración: 128min

Sinopsis: América, años veinte. El Cotton Club es el night club de jazz más famoso de Harlem (Nueva York). Su historia es la historia de la gente que frecuenta el local: Dixie Dwyer (Richard Gere), un atractivo trompetista que busca el éxito y cuya suerte cambia radicalmente cuando salva la vida del gángster Dutch Schultz; Sandman Williams (Gregory Hines), un brillante bailarín negro que sueña con convertirse en estrella, o Vera Cicero (Diane Lane), la novia de Dutch Schultz, una joven bella y ambiciosa cuya vida corre peligro debido a la pasión prohibida que siente por Dixie.

Crítica: Décimo cuarta película del director de la saga "El Padrino" con la que se estrenaba en musicales. Es un mix variado entre el tinte gángster de los 30 y el musical a ritmo de jazz un poco mezclado con los amoríos prohibidos. Un experimento que, para mi gusto, no acaba de funcionar, con una pareja protagonista, eso si, que funciona mejor de lo esperado. El guión es flojo y el film se hace largo por el poco cuidado a las historias paralelas. Una recomendación más para los amantes de los musicales la que os dejo hoy.

Puntuación:**(sobre 5)

Tráiler:

Apocalypse Now

Título original: Apocalypse now

Año: 1979

País: Estados Unidos

Director: Francis Ford Coppola

Reparto: Martin Sheen, Marlon Brando, Laurence Fishburne

Género: Bélico, Guerra del Vietnam

Duración: 153min

Sinopsis: El Capitán Willard es un oficial de los servicios de inteligencia del ejército estadounidense al que se le ha encomendado en Camboya la peligrosa misión de eliminar a Kurtz, un coronel renegado que se ha vuelto loco. En el corazón de la selva, en un campamento sembrado de cabezas cortadas y cadáveres putrefactos, la enorme y enigmática figura de Kurtz reina como un buda despótico sobre los miembros de la tribu Montagnard, que le adoran como a un Dios.

Crítica: Novena película de las 24 que dirigió el productor, guionista y director de Detroit. Escriben el guión John Milius y F. F. Coppola. Se inspira libremente en la novela “Heart of Darkness” (1902), de Joseph Conrad; en el poema “The Waste Land” (“La tierra baldía”) (1922), de T. S. Eliot; en el mito de "La rama dorada" (1890), de James George Frazer; y en la Odisea (Homero). Se rueda en escenarios naturales de Filipinas, República Dominicana y California (Napa Valley), con una inversión de 35 M dólares. Nominado a 8 Oscar, gana 2 (fotografía y sonido) y la Palma de oro (Cannes).Ésta es una de esas películas bellas, bonitas, con una fotografia fantástica, cada plano tiene un cuidadoso trabajo detrás, cada paisaje está escogido con precisión, un film de una categoría desbordante. Una vez llegados a este punto es hora de la tralla, de la guerra, del horror y del deseo del ser humano de matar. Una película ambigua que demuestra todos los sentimientos contradictorios del ser humano, reflejados en el capitan Willard que hace reflexionar sobre el bien/mal, aceptación/rechazo o admiración/indiferencia, situación de la que más tarde se haría eco Stanley Kubrick en su película también del Vietnam, también antibelicista y con estos mismos parámetros, "Full Metal Jacket". Me encanta el olor a Napalm por las mañanas!

Puntuación:****(sobre 5)

Tráiler:

Stalker

Título original: Stalker

Año:1979

País: URSS

Director: Andrei Tarkovsky

Reparto:Aleksandr Kaidanovsky, Anatoly Solonitsyn

Género: Ciencia ficción, Drama

Duración: 161min

Sinopsis:En Rusia existe un lugar conocido como la Zona, donde algunos años antes se estrelló un meteoro. A pesar de que el acceso a la Zona está prohibido, los Stalker se dedican a guiar a quienes se atreven a aventurarse en este inquietante paraje.

Crítica:Séptima de 10 películas que realizó Tarkovsky, Stalker se desarrolla en el gran momento de creatividad del director ruso, los años setenta. Además, es la última que realizó en la Unión Soviética antes de emprender su exilio voluntario a Italia, como consecuencia de las continuas presiones que recibía fruto de la gran abstracción que estaba adquiriendo su cine -recordemos que la productora de nuestro director era Mosfilms. Tanto el exilio como su creciente abstracción quizás tengan una explicación que intentaremos elucidar en lo que sigue. Aunque no sea gran aficionado del género de ciencia ficción esta obra merece mención a parte. Stalker es la creación de un subgénero nuevo llamado Tarkovsky al que hay que conocer para poder degustar la esencia más pura del cine de autor. Emprendemos un viaje por la mente de un director que llegando a su máximo esplendor nos dejó obras del calibre de Sacrificio o Solaris. Es una película lenta, pausada, con poco ritmo, pero emocionante en su fondo, en el trabajo de los personajes y en la inmensa profundidad que tienen cada uno de ellos. Puede parecer aburrida, aconsejable solo para paladares refinados.

Puntuación:****(sobre 5)

Tráiler:(escena inicial)

El acorazado Potemkin

Título original: Bronenosets Potyomkin

Año: 1925

País: URSS

Director: Sergei M. Eisenstein

Reparto: Alexandre Antonov, Vladimir Grigorievitch

Género: Drama, Revolución Rusa, Cine mudo

Duración: 80min

Sinopsis: Obra maestra del cine, una crónica histórica de la revolución rusa de 1905 (previa a la revolución bolchevique de 1917), que levantó al pueblo ruso contra el régimen absolutista de los zares. Una lección de ochenta minutos que descubrió al cine mundial qué era el montaje.

Crítica: Segundo largometraje de Sergei M: Eisenstein. El guión de Eisenstein, sobre argumento propio y de Nina Agadjanova-Shutko, mezcla ficción y realidad. Se rueda en exteriores de Odesa y alrededores y en estudio. Producido por Jacob Bliokh para Goskino, se estrena el 21-XII-1925 (Moscú). En este film encontramos la primera gran revolución en el mundo de la imagen del cine y por encima de todo del montaje. Vemos una película cargada de bellas imagenes pero también cargada del espíritu de las revoluciones, de la camaradería. La cámara, por primera vez, interviene en las emociones y sensaciones que quiere ofrecer el director ruso, con ritmos cambiantes que ofrecen tensión y horror y ritmos constantes para crear terror junto con narraciones paralelas que dan una visión total. Usa el montaje de forma narrativa y no se reduce a ser una simple película propagandística, va mucho más allá, crea escuela y los demás le siguen. Sin duda un filme para estudiar y gozar.

Puntuación:*****(sobre 5)

Tráiler: (escena mítica de la película)