Uno, dos, tres

Título original: One, two, three
Año: 1961
País: Estados Unidos
Director: Billy Wilder
Reparto: James Cagney, Pamela Tiffin, Arlene Francis 
Género: Comédia, Sátira 
Duración: 108min
Sinopsis: C.R. MacNamara, representante de una multinacional de refrescos en Berlín Occidental, acaricia desde hace tiempo la idea de introducir su marca en la URSS. Sin embargo, su jefe, el señor Hazeltine, lo que le encarga es cuidar de su hija Scarlett, que llega a Berlín esa misma tarde. Se trata de una alocada joven que, con dieciocho años, ya ha estado prometida en cuatro ocasiones. Pero lo peor es que, eludiendo la vigilancia de MacNamara, la chica se enamora de Otto Piffl, un joven comunista.
Crítica: Décimo octava película del maestro Billy Wilder de las 26 que conforman su filmografía, con un guión adaptado de una obra teatral de Ferenc Molnar, con música a cargo del famoso pianista y compositor estadounidense de origen alemán André Previn y con Daniel L.Fapp como director de fotografía, apartado que le valió su única nominación a los Oscar cuyas estatuillas fueron gobernadas ese año por "West Side Story"
Esta película llega en la etapa dorada del director polaco, justo después de "El apartamento" y con grandes cosechas anteriores como "Testigo de cargo" o "El crepúsculo de los dioses". Se desarrolla una trama a un ritmo frenético dirigido por "el pequeño Führer" MacNamara interpretado con brillantez  por James Cagney. Wilder nos da una lección de dirección con un guión locuaz y profundo con puntos de genialidad que tocan los picos más altos. Su rapidez no permite al espectador degustar cada una de sus frases porqué instantes más tarde está escuchando una frase mejor que la anterior. Simbolismo a parte, nos mete en la guerra fría con una frialdad, valga la redundancia, nunca vista antes y con un humor esquisito desprendido de la boca y de los gestos de cada uno de los personajes.
Sin duda uno de los grandes clásicos de la comédia americana.
Puntuación:**** (sobre 5)
Tráiler: (escena de la película)

The Artist

Título original: The Artist
Año: 2011
País: Estados Unidos
Director: Michael Hazanavicius
Reparto: Jean Dujardin, Bérénice Bejo
Género: Comedia, Drama, Cine dentro del cine
Duración: 100min
Sinopsis: Hollywood 1927. George Valentin es una gran estrella del cine mudo a quien la vida le sonríe. Pero, con la llegada del cine sonoro, quedará sepultado en el olvido. Por su parte, la joven actriz Peppy Miller verá impulsada su carrera a lo más alto, al firmamento de las estrellas.
Crítica:Primera película seria, después de las comedias del espía "Bonisseur" en OSS, del director parisino Hazanavicius protagonizaada por Jean Dujardin con quién también trabajó en sus otros proyectos (OSS 117) y su actual mujer Bérenice Bejo, una excepcional banda sonora a cabo de Ludovic Bource y que ha obtenido 6 nominaciones a los globos de oro con grandes aspiraciones a ellos y con la mirada puesta en los Oscar.
Hazanavicius nos propone un ejercicio cargado de simbolismo y con clase que aúna las características esenciales de los géneros de comedia, drama, amor y con un trasfondo minuciosamente trabajado que no podemos dejar de lado. El declive y la cima se suceden a un ritmo vertiginoso, sin perder el rumbo en ningún momento, guiando al espectador a sus anchas por un camino de risas, lágrimas y acción con una originalidad y una dirección digna de un genio.
Una trama exquisita y con muchos matices, con unos personajes redondos capaces de crear una subtrama igual de excitante, una película que muestra la gloria, el reconocimiento, la fama y al mismo tiempo el fracaso, el olvido, pero también el ímpetu y las ganas de triunfar y al final de todo solo queda la aceptación, la superación y la adaptación.
Guión a parte merecen los actores que representan sus papeles a la perfección metiéndonos en su cabeza sólo con la gesticulación y recordándonos que hubo un tiempo donde destacaban maestros como Chaplin.
En definitiva, una maravilla que ensalza la figura del cine clásico a la vez que recuerda la calidad de los nuevos directores.
Puntuación: ***** (sobre 5)
Tráiler:

La naranja mecánica

Título original: A Clockwork Orange

Año: 1971

País: Gran Bretaña

Director: Stanley Kubrick

Reparto: Malcom McDowell, Patrick Magee

Género: Drama, Película de culto

Duración: 137min

Sinopsis: Gran Bretaña, en un futuro indeterminado. Alex (Malcolm McDowell) es un joven muy agresivo que tiene dos pasiones: la violencia desaforada y Beethoven. Es el jefe de la banda de los drugos, que dan rienda suelta a sus instintos más salvajes apaleando, violando y aterrorizando a la población. Cuando esa escalada de terror llega hasta el asesinato, Alex es detenido y, en prisión, se someterá voluntariamente a una innovadora experiencia de reeducación que pretende anular drásticamente cualquier atisbo de conducta antisocial.

Crítica: Décima de las catorce películas del director neoyorkino, adaptación de la novela de Anthony Burgess adaptado por el mismo Kubrick y que recibió 4 nominaciones a los Oscar (mejor película, director, guión adaptado y montaje).

Película que nos relata la vida de una juventud perdida entre la ultraviolencia y la mediocridad que usa la maldad como arte de entretenimiento, como hobby y la crueldad como forma de vida. Es una película moral, que demuestra que siempre se recoge lo que se siembra, que demuestra que los amigos no se ganan a base de miedo y que la sociedad recuerda lo que eras. Las secuencias sexuales unen todo el tinglado que baila a ritmo de Beethoven. Gran dirección, con un uso cuidado de los planos fijos, con un perfecto montaje que nos muestra escenas tan impresionantes como la violación o sombras acercándose peligrosamente a un pobre viejo tirado en la calle. Gran película, y gran director que sabe como sacar el máximo partido de sus actores.

Puntuación:****(sobre 5)

Tráiler:

El resplandor

Título original: The shining

Año: 1980

País: Estados Unidos

Director: Stanley Kubrick

Reparto: Jack Nicholson, Shelley Duvall

Género: Terror, Drama psicológico

Duración: 146min

Sinopsis: Jack Torrance se traslada con su mujer y su hijo de siete años al impresionante hotel Overlook, en Colorado, para encargarse del mantenimiento de las instalaciones durante la temporada invernal, época en la que permanece cerrado y aislado por la nieve. Su objetivo es encontrar paz y sosiego para escribir una novela. Sin embargo, poco después de su llegada al hotel, al mismo tiempo que Jack empieza a padecer inquietantes trastornos de personalidad, comienzan a producirse extraños y espeluznantes fenómenos paranormales.

Crítica: Décimo segunda película de las catorce películas que dirigió el productor y realizador neoyorkino adaptando una novela de Stephen King con ayuda de Diane Johnson y con la que obtuvo dos nominaciones a los premios Razzie (Director, Actriz (Duvall).

En esta película Kubrick se plantea rodar el terror dando un enfoque nuevo al que se había dado hasta el momento, cosa que los críticos de la época no supieron entender. Se propone rodar un terror sin elementos fantásticos, sin monstruos, sin asesinos, solo con la soledad de una familia aislada. Stanley se propone rodar una historia de esquizofrenia en su sentido más malévolo, en el sentido terrorífico psicológicamente hablando y Nicholson de nuevo vuelve a entender el papel y a bordarlo.

Nos deja escenas para el recuerdo como el niño con el triciclo o la habitación llenándose de sangre en un plano fijo de dos minutos, juega con la cámara, la exhibe para provocar el pánico y juega con elementos intrigantes y cotidianos que a la postre darán a la película la sensación de terror que Kubrick quiere imponer. Buena película del género. "Redrum"!

Puntuación:****(sobre 5)

Tráiler: (no es el tráiler oficial, pero sí el más impactante)

Alguien voló sobre el nido del cuco

Título original: One Flew Over the Cuckoo's Nest

Año: 1975

País: Estados Unidos

Director: Milos Forman

Reparto: Jack Nicholson, Louise Fletcher

Género: Drama, Película de culto

Duración: 133min

Sinopsis: Randle McMurphy (Jack Nicholson), un violador de espíritu libre, que vive contracorriente, es recluido en un hospital psiquiátrico. La inflexible disciplina del centro acentúa su contagiosa tendencia al desorden, que acabará desencadenando una guerra entre los pacientes y el personal de la clínica con la fría y severa enfermera Ratched (louise Fletcher) a la cabeza. La suerte de cada paciente del pabellón está en juego.

Crítica: Séptima de las catorce películas dirigidas por Milos Forman con un guión adaptado del libro de Ken Kessey a cargo de Bo Goldman y Lawrence Hauben y que junto con "El silencio de los corderos" y "Sucedió una noche" se lleva los 5 Oscar principales (película, director, actor (Nicholson), actriz (Fletcher) y guión adaptado).

Ésta perfecta composición harmónica de locura, adaptación, liderazgo y confrontación hacen que "One flew over the cukoo's nest" se convierta en una de las principales películas de la historia del cine. Nos encontramos ante un guión fascinado, llevado con maestría por Forman que le da más importancia a lo inconsciente, a lo no tangible que a lo que el espectador puede ver con sus ojos. Es una película de sentimientos, de atrevimiento, una película de locos con interpretaciones que te dejan sin aliento, bordadas y trabajadas a la perfección por dos de los grandes de la gran pantalla. Nicholson encuentra la locura que más tarde recuperará en "The shining" y Fletcher nos muestra uno de los personajes más fríos del celuloide.

Si te gusta el cine, debes verla.

Puntuación:*****(sobre 5)

Tráiler:

Amadeus

Título original: Amadeus

Año: 1984

País: Estados Unidos

Director: Milos Forman

Reparto: Tom Hulce, F. Murray Abrahams

Género: Drama, Biográfico

Duración: 158min

Sinopsis: Antonio Salieri es el músico más destacado de la corte del Emperador José II de Austria. Entregado completamente a la música, le promete a Dios humildad y castidad si, a cambio, conserva sus extraordinarias dotes musicales. Pero, después de la llegada a la corte de un joven llamado Wolfang Amadeus Mozart, Salieri queda relegado a un segundo plano. Irritado por la pérdida de protagonismo, hará todo lo posible para arruinar la carrera del joven músico. Mientras tanto, Mozart, ajeno a las maquinaciones de Salieri, sorprende a todos con su genialidad como músico, pero también con sus excentricidades.

Crítica: Décima de las catorce películas del director checo que adapta el guión de Peter Schaffer y que fue ganadora de 8 Oscars (película, director, actor (F.Murray), guión adaptado, dirección artística, maquillaje, vestuario y sonido) y que es considerada una de las grandes películas biográficas de la historia.

Milos Forman relata la vida de un genio de manera magistral, artística y bellamente narrada. Me parece interesante la manera de describir la envidia desde el punto de vista de la admiración, como solo un genio puede entender a otro genio y como demuestra que la actitud en la vida es más importante que la aptitud, pues Salieri muere como un genio y Mozart en una fosa común, arruinado. Este film, bajo mi punto de vista, tiene defectos, pues creo que se debe aprovechar cada segundo de celuloide y Forman se regodea en demasiados momentos dejándonos una película que roza las tres horas, demasiado larga pero imprescindible.

Puntuación:***(sobre 5)

Tráiler:

Érase una vez en América

Título original: Once upon a time in America

Año: 1984

País: Estados Unidos

Director: Sergio Leone

Reparto: Robert De Niro, James Woods, Elizabeth McGovern

Género: Drama, Mafia

Duración: 225min

Sinopsis: Principios del siglo XX. David Aaronson, un pobre chaval judío, conoce en los suburbios de Manhattan a Max, otro joven de origen hebreo dispuesto a llegar lejos por cualquier método. Entre ellos nace una gran amistad y, con otros colegas, forman una banda que prospera rápidamente, llegando a convertirse, en los tiempos de la Ley Seca (1920-1933), en unos importantes mafiosos.

Crítica: Última película del maestro Leone con guión propio en colaboración con Leonardo Benevenuti, Piero Bernardi, Enrico Mendioni, Franco Arcalli y Franco Ferrini con banda sonora a cargo de Ennio Morricone, nominada a dos Globos de Oro y un clásico del género.

És una película de 225 minutos que describe la vida, la amistad, el valor, el honor, la traición y la piedad, un grandísimo espectáculo dirigido con maestría, representado con sobriedad y con astucia, es una película sobre los valores humanos y de como éstos desarrollan la vida de los amigos, los amores y la soledad con una calidez y una ternura muy particulares. Es un tipo de cine especial, al que hay que entender y apreciar con cariño y aprender de una lección de dirección y interiorización de guión por parte de todo el equipo, empezando por la dirección, pasando por la b.s.o y acabando por un reparto que entiende perfectamente lo que se quiere transmitir a un espectador que, postrado en sus asientos, vuelve a la niñez y piensa en la vejez de manera continua a placer de un Leone con ganas de contarnos su historia.

Puntuación:****(sobre 5)

Tráiler:

Taxi driver

Título original: Taxi driver

Año: 1976

País: Estados Unidos

Director: Martin Scorsese

Reparto: Robert De Niro, Jodie Foster Cybill Shepherd, Harvey Keitel

Género: Drama, Película de culto

Duración: 113min

Sinopsis: Para sobrellevar el insomnio crónico que sufre desde su regreso de Vietnam, Travis Bickle (Robert De Niro) trabaja como taxista nocturno en Nueva York. Es un hombre poco sociable que apenas tiene contacto con los demás, se pasa los días en los cines para adultos y vive obesionado con Betsy (Cybill Shepherd), una atractiva rubia que trabaja como voluntaria en una campaña política. Tras estropear su incipiente relación con Betsy, Travis no puede menos que seguir observando cómo la violencia, la sordidez y la desolación se adueñan de la ciudad. Y un día decide pasar a la acción.

Crítica: Cuarto film de Scorsese escrito por Paul Schrader ("La última tentación de Cristo", "American Gigolo") en unos momentos de depresión y, a la vez, de gran lucidez e increíble eficacia creativa. Fue nominada a 4 Oscar y ganó la Palma de Oro de Cannes. La acción tiene lugar en 1975, en NYC. Está narrada en primera persona por el protagonista, Travis Bickle (Robert De Niro), antiguo "marine", veterano de la guerra del Vietnam, de 26 años, mentalmente inestable, que trabaja de noche como taxista a causa del insomnio que padece. Es un personaje solitario e inadaptado, presa de depresiones acompañadas de ansiedad. Sus intentos de relacionarse con otras personas (Betsy, Palantine, Iris, etc.) fracasan a causa de su torpeza y errores. Sumido en la soledad, su desvarío mental se agudiza y sus acciones se apartan cada vez más de la lógica. Sustituye los intentos de integración personal por intentos quijotescos de salvación de las personas que admira y aprecia, a las se propone "liberar" de las garras de quienes las engañan, utilizan y explotan. A través suyo vemos un mundo decadente, calles sucias, mala gente y una sociedad con la que choca frontalmente y que le hace reflexionar sobre el bien, el mal, lo moral o lo inmoral, con unas interpretaciones sublimes i una dirección innovadora del gran maestro Scorsese. "Are you talking to me?"

Puntuación:****(sobre 5)

Tráiler:

El silencio de los corderos

Título original: The silence of the lambs

Año: 1991

País: Estados Unidos

Director: Jonathan Demme

Reparto: Anthony Hopkins, Jodie Foster, Scott Glenn

Género: Thriller, Intriga, Thriller psicológico

Duración: 118min

Sinopsis: El FBI busca a "Buffalo Bill", un asesino en serie que mata a sus víctimas, todas adolescentes, después de prepararlas minuciosamente y arrancarles la piel. Para poder atraparlo recurren a Clarice Starling, una brillante licenciada universitaria, experta en conductas psicópatas, que aspira a formar parte del FBI. Siguiendo las instrucciones de su jefe, Jack Crawford, Clarice visita la cárcel de alta seguridad donde el gobierno mantiene encerrado a Hannibal Lecter, antiguo psicoanalista y asesino, dotado de una inteligencia superior a la normal. Su misión será intentar sacarle información sobre los patrones de conducta de "Buffalo Bill".

Crítica: Octavo trabajo de Jonathan Demme como director de la gran pantalla, su obra más notable junto con "Philadelphia" y uno de los nombres mayúsculos en la historia del "thriller". Nominada a 7 Oscar, acaba ganando 5 (película, director, actor (Hopkins), actriz (Foster), guión adaptado) siendo así la tercera película de la história en llevarse los 5 premios principales (las otras dos son "Sucedió una noche" (1934) y "Alguien voló sobre el nido del cuco"(1975).

Con una historia espeluznante escrita en la novela de Thomas Harris, Ted Tally (guionista) y Demme se ponen a trabajar en un guión que se sobrepondría a sus mayores pronósticos. Nos encontramos ante un filme peculiar, cargado de intriga, misterioso como su protagonista y voraz y implacable como Clarice Starling. Aquí nos encontramos algo más que un thriller de asesinos en série, nos encontramos ante algo esperpéntico, trabajado con gran vocación para que podamos enfundarnos en la piel de un asesino cuya inteligencia sobrepasa los límites humanos junto con su locura más próxima de un manicomio que de una penitenciaria. Los personajes son perfectos, una con los miedos de una novata principiante y el otro con la inteligencia de un veterano asesino caníbal, los dos se necesitan mútuamente, los dos se utilizan, los dos se salen con la suya gracias a la cooperación entablando sin quererlo una extraña amistad. Increíble película en que el Dr.Hannibal Lecter te pondrá los pelos como escarpias y Clarice Starling te sorprenderá como pocas lo han hecho antes, muy recomendable.

Puntuación:*****(sobre 5)

Tráiler:

Barton Fink

Título original: Barton Fink

Año: 1991

País: Estados Unidos

Director: Joel Coen y Ethan Coen

Reparto: John Turturro, John Goodman, Judy Davis

Género: Drama, Cine dentro del cine

Duración: 112min

Sinopsis: En 1941, Barton Fink viaja a Hollywood para escribir un guión sobre el luchador Wallace Berry. Sin embargo, una vez instalado en el Hotel Earle, el guionista sufre un severo bloqueo mental. Su vecino de habitación, un jovial vendedor de seguros, trata de ayudarlo, pero una serie de circunstancias adversas hacen que se sienta cada vez más incapaz de afrontar su trabajo.

Crítica: Cuarta película de los Coen, film de cine independiente que reunió 3 nominaciones a los Óscar (actor de reparto, dirección artística y vestuario) y ganó 3 premios en el festival de Cannes (palma de oro, director y actor).

Los Coen desarrollan un film denso, cargado de simbolismo y para la reflexión. Ésta, una de sus obras más reconocidas, pretende parodiar el mundo de Hollywood en la época de mayor esplendor, en el trato que tienen los los productores hacia los realizadores, las pocas ideas de éstos o la masificación de guionistas que puebla una ciudad demasiado llena. El guión nos muestra como Turturro da vida a un guionista al que parece la suerte le empieza a sonreír, hasta que debe enfrentarse a la hoja en blanco, sus miedos de fracaso empiezan a invadirle y la sensación de desamparo y soledad en un mundo (el cine) gobernado por tiburones hace que esos miedos le corroan, que no pueda escribir, que su mente se paralice, que tome el alcohol como desatascador y que éste no funcione.

Es una película que va de menos a más, la curiosidad se va apoderando del espectador así como las emociones y sentimientos hacia el protagonista ya que muchos tenemos esos miedos a no dar la talla, miedo a fracasar.

La música ofrece composiciones sutiles y pausadas, con abundantes solos, que evocan sentimientos del protagonista. La fotografía se apoya en encuadres muy cuidados, movimientos de cámara sorprendentes, planos picados y "travellings" cenitales, preferencia por la geometría y por los marrones, grises y dorados. El guión contiene diálogos de dobles y triples intenciones, con toques de humor negro y macabro. La interpretación de Turturro, premiada en Cannes, es excelente y es brillante la de Goodman.

Muy recomendable si queréis ver algo que os ayude antes de un nuevo trabajo o una entrevista o simplemente si queréis pasar un buen rato.

Puntuación:**** (sobre 5)

Tráiler:

No es país para viejos

Título original: No country for old men

Año: 2007

País: Estados Unidos

Director: Joel Coen y Ethan Coen

Reparto: Tommy Lee Jones, Javier Bardem, Josh Brolin

Género: Thriller, Drama

Duración: 122min

Sinopsis: En 1980, en la frontera de Texas, cerca de río Grande, Llewelyn Moss (Josh Brolin), un cazador de antílopes, descubre a unos hombres acribillados a balazos, un cargamento de heroína y dos millones de dólares en efectivo...

Crítica: Décimo segunda película de los hermanos Coen de las 15 realizadas hasta el momento con un guión adaptado de la novela de Cormac McCarthy es nominada a 8 estatuillas llevándose 4 (mejor director, mejor película, mejor guión adaptado y mejor actor secundário (Bardem).

En mi opinión, ésta es una película diferente, del género llamado Coen. És un thriller con una calma tensa dificilísima de conseguir en una película, una persecución donde el perseguidor y el perseguido bucean entre el temor, la locura, el orgullo y la ambición y de lejos un Sheriff, viejo y cansado de su oficio va dando palos de ciego a diestro y siniestro llegando tarde una vez sí y otra también. Algo muy parecido a "Fargo" pero esta vez sin que la nieve sea la tónica, dejando un paisaje caluroso, llano y desierto en Texas. Dos personajes que le vienen como anillo al dedo para Brolin y Bardem y que harán a éste último convertirse en uno de los asesinos en série más recordados del celuloide.

Puntuación:****(sobre 5)

Tráiler:

American Beauty

Título original: American Beauty

Año: 1999

País: Estados Unidos

Director: Sam Mendes

Reparto: Kevin Spacey, Annette Bening, Thora Birch

Género: Drama, Comedia dramática

Duración: 122min

Sinopsis:Lester Burnham (Kevin Spacey), un cuarentón en crisis, cansado de su trabajo y de su mujer Carolyn (Annette Bening), despierta de su letargo cuando conoce a la atractiva amiga (Mena Suvari) de su hija (Thora Birch), a la que intentará impresionar a toda costa.

Crítica: Ópera prima del director británico, recientemente escogido para llevar la ultima película de la saga 007, con guión de Alen Ball (True blood, Six feet under) y musica de Thomas Newman, nominada a 8 Óscars, gana 5 (película, director, actor (Kevin Spacey), guión y fotografía).

Ésta, es una increíble narración de la vida de un hombre cansado de la rutina, de una vida monótona encerrado en una casa con una família que quiere aparentar que funciona, con una mujer a la que no ama y de quien se ha cansado, con una hija que no le soporta y que le ve como un baboso viejo verde que solo quiere echarle un polvo a sus amigas y con quien sólo encuentra algo de paz con el vecino de enfrente, hijo de una família que aún está peor que la suya. Muestra una sociedad decadente, faltada de valores con un humor que roza la perfección de la sutileza. El espléndido guión muestra una introspección a una vida llena de dudas, a un personaje que te crees con, otra vez, un increíble Spacey y con un reparto secundario brillante con Annette Bening (Mars Attack, Regarding Henry) bordándolo. La dirección es fresca y dinámica, no aburre y con un final que a más de uno le quitará el hipo. Muy buen trabajo de Mendes, muy buena película

Puntuación:*****(sobre 5)

Tráiler:

Sospechosos habituales

Título original: The Usual Suspects

Año: 1995

País: Estados Unidos

Director: Bryan Singer

Reparto: Kevin Spacey, Chazz Palminteri, Benicio del Toro, Gabriel Byrne, Stephen Baldwin

Género: Thriller, Intriga

Duración: 105min

Sinopsis: Dave Kujan (Chazz Palminteri), un agente especial del servicio de aduanas de EEUU, está investigando las causas del incendio de un barco, en el puerto de San Pedro de Los Ángeles, que provocó 27 víctimas mortales, aunque todas parecen haber sido asesinadas. Su única fuente de información es Roger Kint (Kevin Spacey), un estafador lisiado que sobrevivió al incendio. En comisaría, Kint cuenta que todo comenzó seis semanas antes en Nueva York, cuando cinco delincuentes, cinco "sospechosos habituales", fueron detenidos para una rueda de reconocimiento relacionada con el robo de un camión de armas...

Crítica: Segunda película de las nueve del director neoyorkino con guión de Christopher McQuarrie y con 2 estatuillas a mejor guión original y mejor actor secundario (Spacey). Es un largometraje sólido, estructurado de manera eficiente e innovadora y con una historia sorpresiva que pisa a cada paso su propio esquema. Una obra maestra del género policíaco y de intriga en la década de los 90' donde las películas de gángsters y asesinos a sueldo campaban a sus anchas con Tarantino como estandarte principal.

Singer logra tejer una tela que te atrapa y te convence de la que te resulta muy difícil escapar con 5 historias paralelas que encuentran su significado en la conjunción de las mismas, perfectamente entrelazadas y tramadas a precisión de bisturí. Un trabajo potente que no dejará indiferente a nadie y por el cual pido que os reserveis una hora y media de vuestro tiempo.

"El mejor truco que inventó el diablo, fue convencer al mundo de que no existía"

Puntuación: *****(sobre 5)

Tráiler:

Leaving Las Vegas

Título original: Leaving Las Vegas

Año: 1995

País: Estados Unidos

Director: Mike Figgis

Reparto: Nicolas Cage, Elisabeth Shue

Género: Drama

Duración: 112min

Sinopsis: Ben Sanderson (Nicolas Cage) es un guionista alcohólico de Hollywood que acaba de perder su trabajo por sus problemas con la bebida y su bajo rendimiento. Sin amigos y sin familia, Ben quema sus recuerdos y viaja hasta Las Vegas con el propósito de beber hasta morir. Nada más llegar a la ciudad, conoce a Sera (Elisabeth Shue), una atractiva prostituta de la que se queda prendado.

Crítica: Séptimo largometraje del realizador británico Mike Figgis (“Miss Julie”, 1999), rodado en EEUU, es su obra más acreditada. El guión, del propio Figgis, adapta la novela “Leaving Las Vegas” (1990), de John O’Brien, única del autor y de carácter autobiográfico. Nominado a 4 Oscar, gana uno (actor, Nicolas Cage). La película relata la historia de dos extraños atraídos por el mismo sentimiento de desprecio a la vida y a todo lo que les rodea, habla sin tapujos de una sociedad demasiado preocupada por los estereotipos y la imagen. La prostitución, las drogas, el alcohol y el juego se juntan para demostrarnos que a veces también puede ser importante vivir para saber lo que es disfrutar de la vida, arriesgarse para poder encontrar el amor sin barreras, sin fronteras y una vez lo tienes, disfrutarlo al límite. Una preciosa balada la que nos brindan Cage y Shue para pasar 112 minutos en buena compañía.

Puntuación:*** (Sobre 5)

Tráiler:

Cotton Club

Título original: The Cotton Club

Año: 1979

País: Estados Unidos

Director: Francis Ford Coppola

Reparto: Nicolas Cage, Richard Gere, Diane Lane

Género: Musical

Duración: 128min

Sinopsis: América, años veinte. El Cotton Club es el night club de jazz más famoso de Harlem (Nueva York). Su historia es la historia de la gente que frecuenta el local: Dixie Dwyer (Richard Gere), un atractivo trompetista que busca el éxito y cuya suerte cambia radicalmente cuando salva la vida del gángster Dutch Schultz; Sandman Williams (Gregory Hines), un brillante bailarín negro que sueña con convertirse en estrella, o Vera Cicero (Diane Lane), la novia de Dutch Schultz, una joven bella y ambiciosa cuya vida corre peligro debido a la pasión prohibida que siente por Dixie.

Crítica: Décimo cuarta película del director de la saga "El Padrino" con la que se estrenaba en musicales. Es un mix variado entre el tinte gángster de los 30 y el musical a ritmo de jazz un poco mezclado con los amoríos prohibidos. Un experimento que, para mi gusto, no acaba de funcionar, con una pareja protagonista, eso si, que funciona mejor de lo esperado. El guión es flojo y el film se hace largo por el poco cuidado a las historias paralelas. Una recomendación más para los amantes de los musicales la que os dejo hoy.

Puntuación:**(sobre 5)

Tráiler:

Apocalypse Now

Título original: Apocalypse now

Año: 1979

País: Estados Unidos

Director: Francis Ford Coppola

Reparto: Martin Sheen, Marlon Brando, Laurence Fishburne

Género: Bélico, Guerra del Vietnam

Duración: 153min

Sinopsis: El Capitán Willard es un oficial de los servicios de inteligencia del ejército estadounidense al que se le ha encomendado en Camboya la peligrosa misión de eliminar a Kurtz, un coronel renegado que se ha vuelto loco. En el corazón de la selva, en un campamento sembrado de cabezas cortadas y cadáveres putrefactos, la enorme y enigmática figura de Kurtz reina como un buda despótico sobre los miembros de la tribu Montagnard, que le adoran como a un Dios.

Crítica: Novena película de las 24 que dirigió el productor, guionista y director de Detroit. Escriben el guión John Milius y F. F. Coppola. Se inspira libremente en la novela “Heart of Darkness” (1902), de Joseph Conrad; en el poema “The Waste Land” (“La tierra baldía”) (1922), de T. S. Eliot; en el mito de "La rama dorada" (1890), de James George Frazer; y en la Odisea (Homero). Se rueda en escenarios naturales de Filipinas, República Dominicana y California (Napa Valley), con una inversión de 35 M dólares. Nominado a 8 Oscar, gana 2 (fotografía y sonido) y la Palma de oro (Cannes).Ésta es una de esas películas bellas, bonitas, con una fotografia fantástica, cada plano tiene un cuidadoso trabajo detrás, cada paisaje está escogido con precisión, un film de una categoría desbordante. Una vez llegados a este punto es hora de la tralla, de la guerra, del horror y del deseo del ser humano de matar. Una película ambigua que demuestra todos los sentimientos contradictorios del ser humano, reflejados en el capitan Willard que hace reflexionar sobre el bien/mal, aceptación/rechazo o admiración/indiferencia, situación de la que más tarde se haría eco Stanley Kubrick en su película también del Vietnam, también antibelicista y con estos mismos parámetros, "Full Metal Jacket". Me encanta el olor a Napalm por las mañanas!

Puntuación:****(sobre 5)

Tráiler:

Stalker

Título original: Stalker

Año:1979

País: URSS

Director: Andrei Tarkovsky

Reparto:Aleksandr Kaidanovsky, Anatoly Solonitsyn

Género: Ciencia ficción, Drama

Duración: 161min

Sinopsis:En Rusia existe un lugar conocido como la Zona, donde algunos años antes se estrelló un meteoro. A pesar de que el acceso a la Zona está prohibido, los Stalker se dedican a guiar a quienes se atreven a aventurarse en este inquietante paraje.

Crítica:Séptima de 10 películas que realizó Tarkovsky, Stalker se desarrolla en el gran momento de creatividad del director ruso, los años setenta. Además, es la última que realizó en la Unión Soviética antes de emprender su exilio voluntario a Italia, como consecuencia de las continuas presiones que recibía fruto de la gran abstracción que estaba adquiriendo su cine -recordemos que la productora de nuestro director era Mosfilms. Tanto el exilio como su creciente abstracción quizás tengan una explicación que intentaremos elucidar en lo que sigue. Aunque no sea gran aficionado del género de ciencia ficción esta obra merece mención a parte. Stalker es la creación de un subgénero nuevo llamado Tarkovsky al que hay que conocer para poder degustar la esencia más pura del cine de autor. Emprendemos un viaje por la mente de un director que llegando a su máximo esplendor nos dejó obras del calibre de Sacrificio o Solaris. Es una película lenta, pausada, con poco ritmo, pero emocionante en su fondo, en el trabajo de los personajes y en la inmensa profundidad que tienen cada uno de ellos. Puede parecer aburrida, aconsejable solo para paladares refinados.

Puntuación:****(sobre 5)

Tráiler:(escena inicial)

El acorazado Potemkin

Título original: Bronenosets Potyomkin

Año: 1925

País: URSS

Director: Sergei M. Eisenstein

Reparto: Alexandre Antonov, Vladimir Grigorievitch

Género: Drama, Revolución Rusa, Cine mudo

Duración: 80min

Sinopsis: Obra maestra del cine, una crónica histórica de la revolución rusa de 1905 (previa a la revolución bolchevique de 1917), que levantó al pueblo ruso contra el régimen absolutista de los zares. Una lección de ochenta minutos que descubrió al cine mundial qué era el montaje.

Crítica: Segundo largometraje de Sergei M: Eisenstein. El guión de Eisenstein, sobre argumento propio y de Nina Agadjanova-Shutko, mezcla ficción y realidad. Se rueda en exteriores de Odesa y alrededores y en estudio. Producido por Jacob Bliokh para Goskino, se estrena el 21-XII-1925 (Moscú). En este film encontramos la primera gran revolución en el mundo de la imagen del cine y por encima de todo del montaje. Vemos una película cargada de bellas imagenes pero también cargada del espíritu de las revoluciones, de la camaradería. La cámara, por primera vez, interviene en las emociones y sensaciones que quiere ofrecer el director ruso, con ritmos cambiantes que ofrecen tensión y horror y ritmos constantes para crear terror junto con narraciones paralelas que dan una visión total. Usa el montaje de forma narrativa y no se reduce a ser una simple película propagandística, va mucho más allá, crea escuela y los demás le siguen. Sin duda un filme para estudiar y gozar.

Puntuación:*****(sobre 5)

Tráiler: (escena mítica de la película)

Testigo de cargo

Título original: Witness for the prosecution

Año: 1957

País: Estados Unidos

Director: Billy Wilder

Reparto: Charles Laughton, Tyrone Power, Marlene Dietrich

Género: Intriga, Drama judicial

Duración: 114min

Sinopsis: Leonard Vole (Tyrone Power), un hombre joven y atractivo, es acusado del asesinato de la señora French, una rica anciana con quien mantenía una relacion de carácter amistoso. El más que posible móvil del crimen es la posibilidad de heredar los bienes de la difunta. A pesar de que las pruebas en su contra son demoledoras, Sir Wilfrid Roberts (Charles Laughton), un prestigioso abogado criminalista londinense, acepta defenderlo.

Crítica: Película décimo quinta en la filmografía de Wilder y cuyo protagonista (Charles Laughton) interpretando a Sir Wilfrid Roberts da nombre a este humilde blog. Es un film que aúna drama, intriga y thriller en un tinte de comedia negra, perfectamente dirigida por el maestro de todos los tiempos Billy Wilder que asume a la perfección la adaptación que le proporciona Harry Kurnitz de la obra de teatro de Agatha Christie. El guión tiene todos los matices con un trabajo minuciosamente cuidado al detalle, las ideas y contraideas se van sucediendo en perfecta sintonía, respetando los "tempos" en cada momento y dando un clímax irónico al final que tan difícil es de conseguir por los guionistas y tan costoso de realizar por los directores. Tiene la frescura que precisa un film de intriga, las interpretaciones son increíbles y dejan para el recuerdo uno de los mejores personajes de la historia del cine (Sir Wilfrid). Una obra maestra, sin duda en el top 10 de cualquiera que le guste un poco esto.

Puntuación: ***** (sobre 5)

Tráiler:

Doce hombres sin piedad

Título original: Twelve angry men
Año: 1957
País: Estados Unidos
Director: Sidney Lumet (Guión de Reginald Rose)
Reparto: Henry Fonda, Lee J.Cobb
Género: Drama judicial
Duración: 95min
Sinopsis: Tras escuchar todos los testimonios y valorar las pruebas presentadas, un jurado popular compuesto por doce hombres tiene que decidir, por unanimidad, si absuelve o condena a muerte a un joven acusado de haber matado a su padre. Al principio, once están completamente convencidos de su culpabilidad y se inclinan por la condena, pero el que discrepa empieza a plantear dudas razonables... Alabadísimo debut cinematográfico de Sidney Lumet.
Crítica: Exquisita ópera prima de Sidney Lumet dirigiendo doce hombres, Henry Fonda al frente, a deliberar a un juicio que parece claro pero que tiene en si una historia muy grande que explicar. Un ejemplo para los estudiantes de comunicación el papel que interpreta Fonda en una de sus mejores actuaciones. Un drama judicial que lleva en si mismo a criticar los clichés de una sociedad que menosprecia la clase baja hasta el punto de no llegar a razonar ni a pararse a pensar un instante si esas vidas valen algo. Fonda tiene la misión de hacer recapacitar y actuar con honestidad a unos miembros reacios al debate y muy opuestos en intereses. Obra maestra con todas las letras imprescindible para cualquiera.
Puntuación: ***** (sobre 5)
Tráiler: